校友风采 | 金复载：音画筑梦六十年

从上海音乐学院附中的追梦少年，到上海美术电影制片厂的“动画音乐造魂者”，上海音乐学院1966届作曲系校友金复载的前半生如同一首精心谱写的乐章，每一个音符都浸润着热爱、坚守与创新，不仅串联起中国动画的黄金时代，更在几代人的童年记忆里留下了温暖的印记。

上音启蒙：落榜后的坚守，铸就扎实音乐根基

金复载与音乐的初遇，带着几分偶然的幸运。小学时，一位曾是大提琴家的音乐老师发现他唱歌音准极佳，便提议他报考上海音乐学院附中。1954年，14岁的他怀揣着懵懂的热爱，与后来的钢琴家殷承宗、作曲家林华一同走进考场，却因“无艺术背景、未系统学过乐器”遗憾落榜。

这次失利没有浇灭他的热情，反而让他生出一股不服输的韧劲。“我跟家里说，不想读普通中学，想在家练乐器、学乐理。”彼时家里满是理工背景，父母起初并不理解，反复叮嘱“先把文化课学好”，还直言“不知道音乐学院能有什么出路”。金复载一边顶着压力完成文化课，一边摸索着学习小提琴——初学时拉出的“生涩噪音”常让家人哭笑不得，邻居偶尔也投来异样目光，他却渐渐明晰：比起演奏乐器，自己更痴迷于“将心中旋律转化为乐谱”的创作过程。他省下零花钱购置《乐理基础》《十大音乐家》等书籍，把随口哼出的调子记在练习本上。这份“无师自通”的执着，悄然显露出他对作曲的天赋与热忱。

1957年，上海音乐学院附中首次开设高中作曲专业，金复载抓住了这扇“机遇之门”。他带着自己写的几首短曲再次应试，面对考官“未受专业训练何以作曲”的疑问，他坦然回答：“喜欢就写，想怎么写就怎么写。”这份纯粹的热爱打动了考官，终于被录取。踏入校园后，他如饥似渴地汲取着音乐知识，课堂上认真记录乐理要点，课后反复琢磨作曲技巧，这份勤恳为他日后的艺术之路埋下了坚实的种子。

附中岁月恰逢“大跃进”时期，校园里涌动着创作的热潮。1959年，金复载与刘敦南、朱晓谷、孙以强三位同学合作，创作钢琴协奏曲《跃进颂歌》。为了让作品贴合时代气息，他们走进工厂听机器轰鸣，深入农村看农民插秧，将劳动的节奏融入旋律之中。谁也没想到，这部青涩却充满活力的作品，竟入选了1960年“上海之春”音乐节的开场节目。“

附中的“实践课”同样让他受益匪浅。上课的校舍曾是蒋介石的故居别墅，红瓦洋房带着老上海的雅致，可学生一多就显得拥挤。“我们一去，原来的空间根本不够住，领导就说‘自己动手，丰衣足食’，大家就一起和泥造房子。”男生搬砖、和泥，女生帮忙递工具、整理材料，“我现在还能想起当时满手泥巴的样子，可惜那时候的照片没保留下来”。此外，他们还常到郊区农村“劳动锻炼”，白天帮农民割稻子、挑水，夜晚便用随身携带的小提琴演奏《白毛女》《南泥湾》等选段。看着农民们围坐聆听、不时跟着哼唱的场景，金复载忽然懂得：音乐从来不是琴房里的私物，它能跨越身份与阶层，成为连接人心的桥梁。这份认知，如同一颗种子在他心中生根发芽，影响了他此后数十年的创作理念。

1961年，金复载直升上海音乐学院本科作曲系，有幸师从邓尔敬、桑桐、钱仁康等名师。彼时的音乐学院规模不大，“全院就钢琴、管弦、民乐、声乐、作曲五个系，总共才180个学生，教职工倒有100个，1:1.8的师生比，现在想起来都觉得奢侈”。他至今记得各位老师的教学风格：陈钢老师教和声学时，既讲解苏联学派的“功能性和声”，也引入德国学派的“色彩性和声”，一堂课下来要记满满几页笔记；钱仁康老师分析作品时，会逐句拆解贝多芬《命运交响曲》的动机发展，还常说“音乐就像搭房子，每一块砖都要放对地方，少一块都不行”；施咏康老师的配器课最有趣，会让学生用不同乐器组合表现“春天到来”，后来施咏康老师调任星海音乐学院院长，98岁高龄仍活跃在音乐界，金复载偶尔还会与他联系，“每次通电话都能感受到他对音乐的热情，这么大年纪还在琢磨新作品，特别让人敬佩”。

然而，1963年后，“四清”运动打断了正常的教学节奏。金复载先是随师生到农村参与“阶级斗争”，白天开动员会、访贫问苦，晚上住简陋的农舍，“那时候条件苦，但大家都没怨言，还想着能从农村生活里找创作素材”；后又被分配到上海国棉二厂当纺织工人，在全国劳动模范“裔式娟小组”一干就是10个月。纺织车间噪音大、温度高，每天站着工作八小时，下班后浑身酸痛，即便如此，他也未放弃音乐——他与林华等五位同学组成“文艺小分队”，每天午休时带着小提琴、手风琴到各车间演出，“工人师傅们累了一上午，我们就拉《步步高》《茉莉花》，唱几首轻快的歌，他们鼓掌的时候，我觉得再累也值”。这段在困境中对音乐的坚守，更显其赤诚之心。1967年，他正式毕业，被分配至上海美术电影制片厂，自此开启了音乐人生的崭新篇章。

回望这段上音岁月，落榜后的坚持、求学时的勤恳、实践中的感悟、逆境中的坚守，共同铸就了金复载扎实的音乐根基。他不仅学到了乐理与作曲的专业技巧，更懂得了“音乐源于生活、服务大众”的真谛——这份认知如同一盏明灯，照亮了他此后在动画音乐领域的创作之路。而他与音乐的故事，并未止步于动画银幕：后来他会跨界昆曲、京剧、越剧等戏曲，让古老水磨腔与西洋乐器对话；会筹建上音音乐剧系，为中国培养第一批专业音乐剧人才；还会在80多岁高龄仍琢磨新作品，践行“不重复自己”的创作理念。这些跨越领域的探索与坚守，将在下篇“昆曲跨界者与音乐剧奠基人”中继续讲述。

从上海美术电影制片厂的“动画音乐大师”，到参加上海音乐学院音乐剧系的教学工作，再到戏曲跨界的“探索者”，金复载的后半生，始终在“突破”与“传承”中前行，用音乐串联起不同艺术领域，书写着“融贯中西、守正创新”的艺术篇章。

昆曲跨界：老艺术的新表达，文化基因的当代延续

《蝴蝶泉》得奖后，左一常光希，中金复载，右一阿达

金复载与昆曲的结缘，始于1991年的一次偶然邀约。1991 年，一份偶然的邀约，让金复载受邀参与了新编昆曲《婉容》的工作，讲述末代皇后婉容的一生，导演希望他担任作曲，并提出一个大胆的要求：“不用传统昆曲伴奏乐器，要用西洋乐器和民乐结合，让年轻观众也能听懂。”

昆曲作为“百戏之祖”，其“水磨腔”的婉转、“曲牌体”的严谨，是东方古典艺术的瑰宝。但金复载也清醒地意识到，传统昆曲节奏偏慢、伴奏音色单一，对当代年轻观众而言，或许少了几分吸引力。“我之前没写过昆曲，就先去‘补课’——天天泡在昆剧团，听演员唱《牡丹亭》《长生殿》，记‘水磨腔’的节奏，看乐队用笛、箫、笙伴奏的技巧。”在反复聆听与研究中，他找到了创新的方向：保留昆曲的“魂”，即“水磨腔”的韵律与“曲牌体”的结构；再用西洋乐器与现代音乐元素为其“赋新”，让古老艺术焕发当代活力。

在《婉容》的创作中，金复载用大提琴的低沉表现婉容的孤独，用钢琴的起伏刻画她内心的挣扎。最终，这部作品获上海文艺创作优秀成果奖，更重要的是，它让一批年轻观众开始关注昆曲，为这门古老艺术注入了新的生命力。

2016年，金复载与昆曲演员张军合作，推出独角戏《我，哈姆雷特》——这一次，他将莎士比亚的西方悲剧与昆曲的东方美学相结合，让“哈姆雷特”唱起昆曲，用大提琴、箫、蝶式古筝与打击乐伴奏。“哈姆雷特‘生存还是毁灭’的独白，我用昆曲的‘散板’来表现，节奏自由，就像角色在思考；他杀克劳狄斯时，用蝶式古筝的激烈扫弦，传递他的愤怒。为了让外国观众更好地理解，他还巧妙融入欧洲古典民歌元素。这部作品在欧美多国巡演时，《纽约时报》评价它“用东方艺术解读西方经典，是一次成功的跨界尝试”，这让金复载愈发坚信：“好的艺术没有国界，关键是找到不同文化的共鸣点。”

他常和身边人说，昆曲的创新不能是“无底线的改造”，“就像老房子装修，承重墙不能动，只能换家具、刷油漆。昆曲的‘水磨腔’和‘曲牌’就是‘承重墙’，不能丢，我们能做的，是用新的音乐语言让它更贴近当代观众”。在他看来，昆曲的跨界不是“颠覆传统”，而是“延续传统”——通过新的表达形式，让古老艺术的文化基因在当代得以传承。

音乐剧开拓：从空白到标杆，院系筹建与人才培养

金复载与音乐剧的邂逅，始于1992年的美国之行。当时他以访问学者身份在宾夕法尼亚大学交流，住在表哥家，朋友打趣说“到纽约不去百老汇，等于没去美国”，他便去纽约看了《猫》。“第一次看到‘唱跳演结合’的形式，整个人都被震撼了——舞台上的演员又唱又跳又演，音乐既好听又能推动剧情，比歌剧更接地气，也更有感染力。”散场后，他在剧场门口站了很久，心里只有一个念头：“我们也能搞中国自己的音乐剧。”

然而，当时的中国，音乐剧领域几乎一片空白——没有专业演员，没有系统教材，甚至没人知道“音乐剧该怎么排”。金复载没有因困难而却步，他邀请电影导演吴贻弓（后来任上海电影局局长，其子吴天戈也是导演）、指挥王永吉、作曲家董为杰（同为上音毕业，美影厂同事）组成“小团队”，决定从改编经典入手。他们选中了曹禺的《日出》：“这部戏人物多、剧情丰富，陈白露的悲剧、方达生的理想，都能用音乐很好地表现，而且观众有认知基础，容易产生共鸣。”

金复载与美影厂导演特伟、阿达，漫画家张乐平等人

2002年，《日出》音乐剧的创作完成，“找演员”却成了最大的难题。音乐剧需要“唱跳演俱佳”的全能型演员，而当时国内的演员要么善唱不善跳，要么善演不善唱。金复载只好“跨界寻人”：邀请男中音歌唱家廖昌永饰演方达生；找北京的女高音王燕饰演陈白露；还请喜剧演员陈佩斯饰演王福生。就连上海二胡演奏家段皑皑、昆剧演员梁谷音也被他“拉来”客串——段皑皑演天真单纯的“小东西”，梁谷音演泼辣世俗的“老鸨”，“大家都是‘赶鸭子上架’，但都很认真，排练时每天练到半夜，没人喊累，陈佩斯还总说‘能参与这么特别的戏，累也值’”。

同年5月18日，《日出》以“音乐会版”的形式在上海大剧院首演——演员站在舞台上演唱，合唱团与乐队在后方伴奏，没有复杂的舞台布景，却靠音乐和表演打动了观众。“演出结束后，好多观众围过来，说‘原来中国也有这么好看的音乐剧’，还有人问什么时候排舞台版。”陈佩斯当即提议将其改编为“舞台版”带到北京演出，他们很快联系了吴贻弓来导演与排舞，找了北京舞蹈学院音乐剧系的学生当群演，眼看排练即将启动，却因“非典”疫情被迫取消。“当时特别遗憾，大家花了那么多心思，最后没能站在舞台上，不过也没办法，特殊时期只能以安全为重。”虽有遗憾，但《日出》的成功，为中国音乐剧的发展埋下了希望的种子。此后多年间，“舞台版”《日出》亦数度登台公演，持续传递着作品的艺术生命力。

就在金复载为演出取消而惋惜时，上海音乐学院的邀请悄然而至。林华老师（上音教授，附中时的同学）打电话说：“学校要筹建音乐剧系，第一批学生已经录取了，但对音乐剧的教学我们学校没有经验，你要不要来参加这方面的工作？”金复载起初有些犹豫：“我没当过官，在美影厂就是个作曲小组的普通成员，连小组长都没做过，而且2002年我正好60岁，已经退休了，不想再折腾。”但吴贻弓的一句话点醒了他：“你不是想搞中国音乐剧吗？排一部戏只能影响一时，培养一批专业演员，才能让这个行业长久发展，这是真正的长远之计。”为了音乐剧事业的未来，金复载最终应允，于2002年9月正式出任上海音乐学院音乐剧系主任。

刚到院系任职时，实际的办学环境，仍处于较为基础的起步状态：“总共就7个老师，20多个学生，办公室在教学楼7楼，要穿过舞蹈房才能进去。我第一次上班，正好碰到学生在练现代舞，李奇老师在旁边喊‘一二三四’，学生们满头大汗还练得特别认真，我突然觉得有了希望。”他做的第一件事，就是结合上海音乐学院的“音乐优势”，确立“以音乐为核心”的培养方向——音乐剧演员首先要“会唱、懂音乐”，再兼顾舞蹈与表演。当时有人质疑“重音乐轻歌舞，会不会培养出‘半吊子’”，金复载却很坚定：“上音的特色就是音乐，我们培养的音乐剧演员，必须有扎实的音乐功底，这是区别于舞蹈学院、戏剧学院的关键，不能丢了自己的根。”

基于这个理念，他构建了特色课程体系：

·钢琴课：所有学生必修一年钢琴，“音乐剧演员要会看谱、会用钢琴练声，甚至能自弹自唱，我找了附中的钢琴老师张博来教，他还会作曲，能帮学生修改旋律，比如学生唱不准的地方，他能当场调整音高”；

·乐理与和声课：要求学生掌握乐理知识与和声技巧，“以后无论当演员还是导演，都要懂音乐结构，知道这段音乐为什么这么写、怎么调整能更贴合剧情，比如悲伤的场景要用小调，欢快的场景要用大调”；

·声乐课：课时远超舞蹈与表演课，“我请了声乐系的老师来代课，还配了‘艺术指导’——也就是钢琴伴奏，像陈敏佳、金晓曦、黄娴瑾这些老师，都特别负责，帮学生抠细节，比如‘这句怎么唱才像陈白露的绝望’‘那句怎么唱才像方达生的坚定’”；

·舞蹈与表演课：聘请本系北京舞蹈学院毕业的李奇老师教现代舞，上海戏剧学院的钱正老师教表演，但强调“舞蹈要为演唱服务，不能跳得太猛影响发声；表演要为音乐服务，不能只顾着演而忘了唱”。

初期，师生间的磨合充满挑战：声乐老师担心“学生跳着唱会跑调，白费了声乐训练的功夫”，舞蹈老师担心“学生唱着跳会跟不上节奏，影响舞台效果”。金复载便组织“融合排练”：让声乐老师去看舞蹈课，了解学生跳舞时的发力点与呼吸节奏，“比如学生跳跳跃动作时，气息会往上冲，声乐老师就知道该怎么教他们调整呼吸”；让舞蹈老师去看声乐课，明白学生唱歌时的换气节点，“比如学生唱长句需要换气，舞蹈老师就会在那个地方设计停顿动作”。他还常带学生看百老汇音乐剧录像，“让他们知道‘唱跳演’是一体的，不是割裂的，要在动态中找到平衡，比如《猫》里的演员，又唱又跳还能做高难度动作，声音却一点不抖，这就是我们要学习的”。

2004年，音乐剧系首届学生毕业，金复载决定排演毕业大戏《我为歌狂》（改编自同名动画）。“这部戏讲高中生的故事，学生们有共鸣，而且音乐风格多样，流行、摇滚、抒情都有，能全面展示他们的能力。”邀请动画原班人马彭程作曲，吴画山编剧，排练时全程在场指导。这部戏在上海话剧艺术中心连演10场，场场爆满，金复载看着舞台上活力满满的学生，欣慰地说：“我们的努力没白费，这些孩子以后就是中国音乐剧的希望。”

在金复载和老师们的努力下，上音音乐剧系逐步成长为行业标杆。2012年，金复载从系主任岗位退休，但他对音乐剧的关注从未停止，“我现在还会去看学生的演出，有时候也会给年轻老师提建议，比如‘这段旋律可以加一点民乐元素，更有中国味’”。

薪火相传：音乐初心的坚守与对后辈的期许

如今，83岁的金复载仍未停下创作的脚步。“我这辈子就做了三件事：写动画音乐，写音乐剧，教学生。每件事都不算做到极致，但都用心做了，就够了。”他的话语谦逊，却藏着对音乐事业的毕生热爱。

谈及上海音乐学院，金复载总说“上音是我的娘家，美影厂是我的婆家”，这个生动的比喻，道尽了他与两所机构的深厚缘分。“上音给我的不只是音乐技术，还有开放的艺术眼光——琴房里，钢琴声和二胡声能一起响；课堂上，老师会讲贝多芬，也会讲阿炳。这种‘中西融合’的氛围，影响了我的一生。”他还记得，上音附中的音乐老师曾说“音乐要‘用心听’，也要‘用心写’”；本科时桑桐老师曾说“不要怕模仿，但不要只会模仿——模仿是为了创新，不是为了复制”；美影厂的厂长则常说“搞创作不能重复自己，要敢尝试新东西，哪怕失败也没关系”。这些话，他都一一记在心里，也传给了自己的学生。

他常跟学生提起美影厂的创作氛围：“那时候搞作曲的人不多，大部分是画画的，但大家都特别敢创新，有学迪士尼风格的，有学俄罗斯动画的，还有学捷克动画的，每个人都想做出不一样的东西。我写《三个和尚》时，没人说‘你得按之前的套路写’，反而鼓励我‘怎么新鲜怎么来’，这种氛围特别难得。”他也常告诫学生：“现在的创作有些太‘套路’了，写音乐剧总想着‘抄’百老汇的旋律，写动画音乐总想着‘蹭’热门风格，没有自己的特色。要多去采风，到农村听山歌，到工厂听机器声，从生活里找灵感，这样写出来的东西才接地气，才有人情味。”

金复载先生和阿达导演一起制作《三个和尚》配乐

当话题落在对母校学子的期许上，金复载这位深耕音乐领域数十载的老校友，郑重分享了自己的心声：“我想把八个字送给上音的年轻人 —— 打开眼界，努力学习。”他解释道：“眼界要宽，不能只盯着自己的小圈子，要多听不同类型的音乐，民乐、西洋乐、流行乐都要了解；要多走出去，到不同的地方采风，感受不同的文化，比如我当年去珠穆朗玛峰采风，看到雪山的那一刻，就知道该用什么旋律表现壮阔了。努力学习，就是要打好基础，乐理、和声、配器这些‘基本功’不能丢，只有根基扎实，才能走得远。还要敢尝试，不要怕失败——我年轻时写的曲子，也被人说‘不好听’，但我没放弃，慢慢就写出了《三个和尚》。”

从14岁的音乐少年，到83岁的“音乐老顽童”，六十年的时光里，金复载用旋律记录时代，用音乐传递情感，用行动践行着对艺术的赤诚。他的人生，如同一部厚重的音乐史诗，既有着动画银幕上的童真与热血，也有着昆曲舞台的典雅与深沉，更有着音乐剧领域的开拓与坚守——每一个篇章，都闪耀着“热爱可抵岁月漫长”的光芒，也为中国当代音乐的发展，留下了浓墨重彩的一笔。